回顧這一生有幸參與台灣音樂的點滴......

[hchiehjung]

實在是太寶貴的經驗傳承!!

[amigo1467]

現在讓我們看看mix，到底在做些什麼？在古早時候，只有單軌錄音，只能把現場聲音錄下來，談不上什麼美感，後來發覺我們有左右耳朵，能辨別聲音遠近，不只是大小聲的辨別，於是有了立體空間的想像畫面，雙軌錄音機也就因此誕生了。基本上到此，人類的聽覺已接近滿足點了，要再進一步改善，空間並不大，但基於商業上的考量，才會有往後的多軌錄音出現，但人的耳朵只有左右兩個，且有方向性，只能接收前方傳來的聲音，這就大大的限制了我們聽覺上的享受，所以真正的原音重現，應該是用兩隻麥克風，在左右兩邊收音，模擬人的左右耳朵接受的情形，而錄製完成的，這才是百分之百的原音重現，因為現場我們的耳朵就只能聽到這些。

從以上的說明，我們就知道為什麼，科技這麼發達了，我們還是在聽兩軌立體音響，無法進一步提昇我們的聽覺享受。那這跟mix有什麼關係啊！當然有，現在都是多軌錄音，錄完後，要如何給消費者聽？當然是退回去我們人的聽覺能享用的雙聲帶了，這是不是很詭異，把那麼多聲音再擠回去兩軌裡面，人類到底是進步還是退步，我真的有點懷疑，但這是千真萬確，而且正在進行的動作，叫做mix down，down的意思就是拉回去，退回原點，然而做了這動作就真的可以達到我們想要的嗎？聲音是一個很奇怪的東西，許多聲音會互相共鳴而增大音量，也會互相干擾而消失，綜合這些互動後，留下的才傳達到我們的耳朵，這也是為什麼現場演唱會比較容易感動人的原因，然而我們透過多軌錄音，各別一軌一軌的錄，基本上，這些聲音已經沒互動了，也不會產生感情了，我們只是透過科技，硬是把它們擠回去兩軌去，很多感情因素都消失了，更可怕的是不透過錄音的音源片，透過midi呼叫而錄的，這就是科技，我並不排斥科技，提出這些問題，只想讓大家更清楚聲音這媒介，當我們在透過這媒介來傳達我們的感情時，需要知道這媒介的特質，才不會迷失掉。

mix 是在做上下層面的組合，依照我們先前所講的主從關係來配置聲音，由於我們耳朵可以聽出大小遠近，所以可以模擬立體音場，其實這都是我們對聲音的想像與幻覺，如同眼睛對3d的幻覺一樣，真正實在的還是大小聲，因為可以透過物理現象真實傳達。以錄節奏來說，有鼓、有bass、吉他跟鋼琴，這些樂器中，誰是主角誰是配角？如果不知道，我們怎麼依先前所講的主從關係來配置聲音，可是這又依場景而不同，怎麼說？以前數來寶，只要一隻響板當節奏就可，在這場景它是主角，民歌手只要吉他就可當節奏，鋼琴手也是如此，唯獨bass手無法當節奏，那是不是bass不重要？當這四種樂器擺在一起時，由於可替代性的原因，使得他們產生變化，曾經有位錄音師説，只要bass調好音量夠大，mix出來的歌就好聽，鼓不重要，您能說他錯嗎，事實上，以前很多歌都是如此，不信您可以去聽看看，在這場景，顯然bass是老大，歌曲的律動重心在bass，bass必須很清楚的傳達出這首歌的節奏律動，不然這首歌就推不動，也就無法達到順利一口氣唱完的目的。在節奏組裡，有兩個低音樂器，除了有旋律性的bass外，另一個非旋律性的大鼓，這兩個具有互補性，主從關係最易混淆，要看當事者偏向那個而定，低音在上下主從關係裡是最底層的，也是歌曲的基礎架構，弄好了，mix已完成一半，再來就是主從關係的中層部份，就是吉他跟鋼琴，這是補助鼓與bass的推動，所以它們是屬於配角，不可以搶掉鼓與bass的份量。最後就是主從關係的高層部份，因為這些都是有旋律的聲音，帶有很濃厚的感情因素在裡面，它們的重要性，遠在節奏組之上，但處理原則還是跟處理節奏組一樣，前間尾奏以solo 樂器為主，其他陪奏插音為副，在唱歌時，當然主唱為主，合音、樂器插音為副，然而在整個主從畫面上，是底層節奏組重要還是歌聲重要？看法跟做法各異，麥克‧傑克遜是底層節奏6，歌聲4，台灣一般唱片，剛好相反，比較洋派的做法是一半一半，這牽扯到很多因素，不是三言兩語可以說清楚的，總之跟唱功與敬業有關，所以mix 出來的東西會不一樣，問題不出在硬體的錄音室，是人員的工作觀念問題，mix就講到這，其他只是細節的執行而已，沒什麼可談，下回來談
mastering。

[Tacan]

真是好的經驗傳承...

騷屁咧?? 趕快收到精華區去...

[ozsun]

好文,好文

值得乾一杯

[joshua0505]

謝謝前輩的指導, 獲益良多~~~

[amigo1467]

在講mastering之前，有些觀念與準備工作，必須先說明一下

如果各位有在看交響樂演奏，就會看到一位手拿指揮棒的『指揮』，他在引導整個樂團很流暢的演奏完一首樂曲，他掌控整首樂曲的推動，他讓聽眾隨著他的律動，輕易的聽完一首樂曲，這就是他的工作，他面對整個樂團，用耳朵即時反應，哪裡該大聲，哪裡該小聲，好讓聽眾能跟著他的律動走，他就是在做mastering的動作，差別在，他是現場的，即時的，因為他只有一次的機會，而我們的後製的mastering工作是可以重來的。為什麼律動這麼重要？以下再來談談音樂的組成。

什麼叫音樂，從物理上看，只不過是一堆聲音，隨著時間的流逝，讓我們感動的東西而已，但為什麼會感動我們？其中有什麼因素嗎？有的。您試看看去台北車站，用錄音機錄下一些聲音，回去聽看看，同樣的，軍隊行進時的聲音，以及火車行進時的聲音，您會發現感受完全不一樣，問題不在聲音本身，而是透過聲音這媒介所傳達的東西出了問題，火車站裡人们談話的聲音，每個人的律動都不同，有快有慢，大小不一，雜亂無章，聽的人無法找到律動，無法引起共鳴，反而火車行進時的聲音，有一定的律動，我們很容易抓的到，故可以引起共鳴。故律動是構成音樂的最重要部份，所以打擊樂為什麼也可以稱為音樂，就是這個道理。並不是沒有高低音符就不能構成音樂，但只是一堆音符而欠缺長短的時間律動，卻無法構成音樂，很奇怪？是不是，跟我們以往的經驗差很多，不信？您可以去聽聽初學鋼琴的人彈的東西，您會受不了，不是他彈走音，而是他亂無章法，讓您找不到可遵循的律動，無法共鳴，這就是律動的重要了。

貝多芬的命運交響曲，感動人的是剛開始的那節奏律動，而非那音符，整首曲都貫穿了這律動。音符無法表達律動，但大小聲卻會影響律動的推動，許多人在創作音樂時，剛好顛倒，把音符當為重點，尤其以歌曲為甚，人一般的音域通常為11度或12度，超過很不好控制，偏偏寫曲的人就故意超過，讓人家可以欣賞，卻無法學唱，這樣要流行，實在有點難。

所以創作之初，是在找尋有特色的節奏律動，然後透過樂器(喉嚨也是)來傳達感情，這律動是不可斷的，但節奏卻是可以根據這律動而做變化，這樣才能構成一首曲子的起承轉合，不致呆板沒變化。這是音樂構成的由來，在mastering的時候，剛好顛倒，要返推回去，找到這首曲子的基本律動，不要給音符與節奏所誤導，總之我們要有一個基本的共識，我們所做的這一切，都是在幫這首曲子或歌能很輕易的被大眾接受，如果mastering在這方面，沒有達到這目的，那我們為什麼花這些錢呢？因為在當時，錄一張唱片，錄音費也只20幾萬，送到日本mastering卻要10萬，不可說不貴，但拿來比較一下，卻是有幫助，我不知道大家有沒有把它們做一下比較。

其實mastering也只是在做曲子時間前後的律動微調而已，只是做的人在歌唱與音樂的功力要有相當的火候，才能有所幫助，就好像那位『指揮』，什麼時候該做什麼，什麼時候不該做什麼，以避免造成干擾，其中的拿捏，完全要靠一雙好耳朵。

[jess089]

真是精彩的分享~
期待更多篇的好文!!!

[amigo1467]

事情的好壞，與事情本身沒什麼關係，但卻與做這事的人或執行的人有很大的關係，主要是心態的問題，對工作的處理態度。記得剛接觸音樂時是聽西洋流行音樂，流行組合唱團band，因而選擇學吉他，要知道當時沒樂譜，只靠耳朵聽黑膠唱片來採譜，那band裡的成員，誰來採？當然是solo吉他手了，付出最多，然後教其他人彈奏，也因此養成看不起其他人的心態，因為我能力比你們強，因為花太多時間在樂器演奏技巧的鑽研，而忽略了歌唱技巧的研究，以致歌唱很差，有的連開口唱都沒有，只專心研究樂器，久而久之，在樂器演奏上，已成為大師了，卻還是不會唱歌，相反的，樂器玩的不好的，卻花大量時間在歌唱上，大量的copy模仿歌手唱歌技巧，唱歌功力當然比solo吉他手好，但很奇怪的是，solo吉他手在心態上，卻瞧不起這主唱，一直認為他比自己低一等，這種偏差的錯誤心態造成了台灣音樂的無法進步，傷害實在有夠大，卻不知，術業有專攻，我們必須尊重各領域的專業，尊重專業，這是我們工作最起碼的認知。

由這心態，引發了許多錯誤的做法，編曲者，沒尊重歌者，常常只顧表現自己的演奏技巧，卻不知，這造成了歌手在詮釋上的干擾，沒幫上忙，反而扣分，這是編曲者原意嗎？我不認為，只是他沒有更細心的去揣摩如果是你在唱時，唱得下去嗎？多為對方想想，就可避免這些，畢竟歌手是整張唱片的主角。尊重專業，有許多場合大家並不尊重專業，就以歌詞為例好了，寫歌詞就是一種專業，歌詞要寫的好，能跟曲子搭上，完整的傳達感情，很難耶！可是我們常常有個錯誤的認知，寫歌詞不就是寫些文字搭在曲子上而已，那能寫文章詩詞的，應該也能寫啊，天啊！又犯了會玩樂器的也能寫歌的毛病，真是半桶水一大堆，那來的講就專業啊....

當我們在看文章時，對文字的段落長短，並不是很在意，而且也很少因此而產生誤解，可是透過嘴巴講出來，再經過耳朵接收，就會因節奏長短，以及大小聲，意思會不同。舉個例，甲問乙，拉不拉？乙回答，阿.....不拉，過一會，乙又回答，阿不.....拉，當您聽到長音後，您會特別注意，下面的語氣表達，所以在聲音的傳達上會因為節奏段落的不同而產生不同的意思。歌詞有節奏在裡面，文章卻沒有，眼睛看的是整個面，所以為什麼寫歌詞的人需要會唱歌，主要就是在節奏，這是非常專業的事，不輸曲子的創作。曾經與幾位自己寫詞又寫曲的創作者聊過，當歌詞寫後，整首歌已完成了70%，剩下的，只是修修改改而已，就可以看出其重要性，那是不是所有的詞都可以拿來當歌詞？不是，許多文章根本沒有節奏律動在裡面，只能用眼睛欣賞，不適合用耳朵聽，所以想往歌詞創作的年輕人要多多注意歌詞的節奏問題。

最後再提一下，不尊重專業的事，這是大事，它改變了整個台灣唱片生態，而且是負面的，是什麼事？唱片製作人的消失，如今的唱片製作人已經沒在做唱片製作人的專業事情了，只是空有這個職稱，卻做不了什麼決定，實在令人痛心，好像只是一個打雜的統稱，一點專業權威都沒有，只為了混口飯而已。我這樣講可能得罪很多人，但這是事情。做一張唱片收歌100多首，再來全公司投票決定，光是demo就能聽出好壞，那也實在太厲害了，那音樂專業性在哪？一堆半桶水跟專業人員，平起平坐在討論唱片音樂？這也太扯了吧？那是不是配唱、mix也都來全公司參與？那還分什麼工，出錢的老板最大，自己全包了，還請什麼員工，專業的分野在哪啊......

[amigo1467]

來這裡分享，只是本著對台灣音樂的一份熱忱與良知，雖然看的與共鳴的並不多，但不會影響我的本意，我還是會實話直說，但人不是完美的，有些專業領域，我也會有所不足，講的不對時，還請指正。

繼續來談唱片製作人吧！唱片製作人的工作在做什麼？別人怎麼認定我是不知道啦，我只能從我自己的接觸經過談起，第一關，先從公開的徵試開始，放一段歌曲，然後採譜，過了後，第二關，再面試唱歌，看誰唱的好，其他一律不考慮，所以當時的製作人，很多都是從民歌手轉來的，只有少數是其他因素而成為製作人的，那是不是只要這兩項就好了？不是，這只是最基本的入門條件，唱片製作人如果只是俱備這些條件，那歌手本身來做製作人就好了，還需要什麼專業製作人幹什麼？來打雜侍奉歌手用嗎？來討好大牌歌手以便建立自己的人脈嗎？唱片當然不賣，因為您沒幫上歌手的忙，只是在撿便宜而已，這是在扣分，而不是加分。真正的專業製作人要能幫上歌手忙，不是討好歌手，但要幫助歌手，這才會贏得人家的尊敬，而不是像現在被瞧不起，我想從事唱片製作工作的人自己要多檢討檢討。

專業製作人最重要的工作在『設計』唱片，我特別強調設計兩個字，若沒有設計能力，就算再會唱，也沒什麼用，就算再會彈奏採譜，也沒什麼用，因為這兩項都是可取代的，歌手跟編曲家就可取代您，然而設計能力是無法取代的，那從哪裡可以表現出有沒有設計能力，有，處處都有，最容易展現這製作人有沒有這方面的能力的地方就是做新人，從無到有，從零開始。我試著把我們當年如何做新人跟大家分享......

首先，要找人，過程很多也很複雜，但不是重點，重點在人找到了，約也簽了，就是一定要做了，再談其他的優缺點都是多餘的，常常每次簽了，才發覺缺點一推，什麼太醜啦、太胖啦，講話太土啦.....反正都不是正面，沒人想理他，那為什麼簽他呢？另外一種剛好相反，人漂亮，得人緣，大家喜歡跟她在一起，彷彿跟她在一起，您也變漂亮，但這些真的不是重點。製作工作從這裡才要開始，首先，製作人與歌手的摸索期，歌手唱些他拿手的招牌歌，製作人聽聽，有沒有什麼想法，如果沒有，那製作人要找一些不一樣的歌給歌手copy，所謂copy，是要模仿的一模一樣，包括音色與動作，尤其是外國歌最好，為什麼要這樣？因為在外國都大賣的歌，代表歌跟人都被接受，只要您跟他一樣，在台灣也一樣能被接受。經由這摸索期的訓練，我們漸漸的找到了製作方向，往那裡去，找到了歌手要在這市場生存的定位，有別於其他歌手，要不然妳怎麼跟其他大牌爭啊！這是唱片成功與否的關鍵，可是卻沒人告訴你，更不要提那些半桶水了。但他們卻握有大權來影響唱片製作，以致於市場上充斥著一樣的東西，你唱我唱都一樣，缺乏變化，味道都相似，近年來唱片定位最成功的，我只看到一位，就是copy外國小紅莓的王姓歌手，與市場上的唱片味道不一樣，定位的專業工作不由製作人來做，那還稱在製作唱片嗎？

定位後，接著要找歌，也可以直接用外國歌，或找人寫歌，創作者最怕的邀歌是，寫一首好歌給我吧，廢話，不是好歌你會要嗎？問題是你要什麼樣的歌要讓我知道，是要快的、慢的，歌手音域範圍，內容要講些什麼，有很多細節要溝通，如果還是沒搞清楚歌曲方向時，直接拿外國歌給創作者做參考，然後註明要歌曲中那部份，而不要那部份，這樣出來的歌才會定位方向與我們當初唱片定位一致，連到歌收集完後與編曲者的溝通也是如此，都有demo與參考帶給編曲者，這樣編曲者才不會天馬行空亂發揮，所以卡拉做不好，不能怪編曲者，製作人要負這責任，沒做好溝通工作。現在到配唱這一關了，這也是為什麼必須會唱歌的原因，一首歌的形成，製作人參與最多，也最了解這首歌在傳達什麼，那裡會感動人，所以先由製作人唱一軌，做成demo給歌手聽，歌手練完了，再到錄音室唱，這裡說明一下，這是新人製作，老歌手情況複雜不同，因為時間價值不同，配合意願也有差別，同樣的4小時，新人沒什麼其他賺錢之道，大牌歌手的時間，可以上電視、到餐廳作秀，時間價值高，這也是為什麼配唱時狀況百出的原因，產生不敬業的問題。配唱時，卡拉畫面的調整很重要，各種樂器的主從關係與大小，在配唱時就已決定了，事後想要用mix來解決已不可能了。跟很多人的認知跟做法剛好顛倒，許多人配唱時，卡拉的樂器只聽到幾樣，而且只專注於歌聲，歌聲大於卡拉的樂器，事後想把樂器跟歌聲做更細的調整時，已不可能了，會發現當某樣樂器推出來時，會干擾歌聲，或兩者律動不對，因為配唱時，這樂器沒推出來，歌手沒聽到，所以沒配合好，還有力度也不夠，當初只聽到自己歌聲，以為表情夠了，當樂器沒推出來時，表情很清楚，樂器一推出來時，表情馬上被吃掉，感覺唱的沒以前好聽，不得已把這樂器拉小一點，這些細節都是非常專業的東西，從來不會有人告訴您，因此這些問題也就繼續存在著。

[Paul Fang]

感謝您的分享，這年頭有良心的文章很少了。
單是傳承的心態就已經很令人感動，專業的部份都已經不是重點。

copy外國小紅莓的王姓歌手....哈哈哈，這麼明顯的暗示